아르칸젤로 코렐리

3. 작품

코렐리의 작품은 바로크 시대의 절정기에 꽃을 피웠다. 그의 음악은 르네상스의 다성음악에서 발전했지만, 각 성부 간의 독립성이 커지는 전환기를 특징으로 한다. 새로운 사회문화적, 종교적 요인과 극장과 수사학의 강한 영향으로 당시의 정신을 더 잘 표현할 수 있는 새로운 음악 언어가 발전하여 다양한 새로운 화성, 성악 및 기악 기법이 개발되었다.^[33]

선율 체계가 확립되고 옛 모드 체계를 버린 시기이며, 통주 저음 스타일이 이 시기의 전형적인 표현을 가진다. 다른 파트를 종속적인 역할로 밀어내는 상위 성부에 대한 높은 중요성은 비르투오소 독주자의 모습을 부각시켰다.^[33]

평균율 조율도 도입되었고, 멜로디는 종종 대중적인 영감을 받았으며, 불협화음은 표현적 수단으로 사용되기 시작했다. 다성음악은 특히 일반적으로 더 보수적인 교회 음악에서 여전히 두드러졌지만, 이전 세기에 그것을 특징지었던 복잡성은 훨씬 더 명확하고 단순화된 대위법으로 대체되었고, 가장 큰 소리의 성부에 우선순위가 주어지는 경우가 많았다. 또한 상징과 언어의 영역에서, 인물, 선율, 음색 및 특정 표준화된 기술적 자원이 표현을 위한 음악적 어휘가 되는 감정 이론의 발전이 매우 중요했다. 그러한 자원은 당시 가장 인기 있고 영향력 있는 장르였던 오페라에서 매우 일반적이었고, 기악 음악의 방향에도 결정적인 영향을 미쳤다.^[33] 코렐리는 이 언어를 명료하게 하고 확립하는 데 크게 기여했다.^[12]

형식적인 측면에서 바로크는 여러 악장으로 된 모음곡과 소나타의 형식을 확립했고, 이는 교회 소나타, 실내악 소나타, 소나타, 협주곡, 독주 협주곡 그리고 나중에는 교향곡을 탄생시켰다.^[33][12] 일반적으로 바로크가 도입한 변화는 음악사에서 14세기의 ''아르스 노바''와 20세기의 전위 음악의 출현으로 촉진된 것만큼 중요한 혁명을 구성했다.

3. 1. 주요 작품 목록

3. 1. 1. 생전 출판 작품

• 1681년 로마에서 출판된 트리오 소나타 (교회 소나타) 작품 1 (전 12곡)
• 1685년 로마에서 출판된 트리오 소나타 (실내 소나타) 작품 2 (전 12곡)
• 1689년 로마에서 출판된 트리오 소나타 (교회 소나타) 작품 3 (전 12곡)
• 1694년 로마에서 출판된 트리오 소나타 (실내 소나타) 작품 4 (전 12곡)
• 1700년 로마에서 출판된 바이올린 소나타 작품 5 (전 12곡, 로 단조의 「라 폴리아」 포함)
• 1714년 로마에서 출판된(사후 출판) 합주 협주곡집 작품 6 (전 12곡, 1712년 헌정, 로 단조의 제8번은 「크리스마스 협주곡」으로 유명)^[58]

3. 1. 2. 사후 출판 작품

• WoO 1: 조반니 로렌초 룰리에르 오라토리오 《산타 베아트리체 데스테》(1689)를 위한 신포니아
• WoO 2–3: 4중주 소나타 2곡 ('''6중주, 5중주, 4중주 소나타집…''', 암스테르담, 1699년경 수록)
• WoO 4: 트럼펫, 바이올린 2대, 통주 저음을 위한 4중주 소나타
• WoO 5–10: 3중주 소나타 6곡 작품번호 없음 (암스테르담, 1714년경)

3. 1. 3. 작품 번호 없는 작품

• WoO 1: 조반니 로렌초 룰리에르 오라토리오 《산타 베아트리체 데스테》(1689년)를 위한 신포니아
• WoO 2–3: 4중주 소나타 2곡 ('''6중주, 5중주, 4중주 소나타집…''', 암스테르담, 1699년경 수록)
• WoO 4: 트럼펫, 바이올린 2대, 통주 저음을 위한 4중주 소나타
• WoO 5–10: 3중주 소나타 6곡 작품번호 없음 (암스테르담, 1714년경)

4. 연주 양식

코렐리는 바이올린 연주 기법 발전에 중요한 역할을 했지만, 그의 작품에서는 기교를 과시하기보다는 절제된 표현을 추구했다.^[31] 그의 바이올린 파트는 대개 높은 포지션을 사용하지 않았으며, 최고음 현의 E음을 넘어서는 경우가 드물었다. 심지어 헨델의 오라토리오 메시아^[62] 서곡에 나오는 최고음 A음 연주를 거부하고, 작곡가가 그 음을 연주했을 때 "기교를 과시하기 위해 이런 음을 연주하게 하다니"라며 통렬하게 비판했다는 일화도 전해진다.^[31]

그의 연주 스타일은 정확성, 섬세함, 표현력을 강조했으며, 활 기법 숙달을 통해 풍부한 음색과 뉘앙스를 만들어내는 데 중점을 두었다. 프란체스코 게미니아니는 "코렐리는 모든 오케스트라가 활을 정확히 동시에 움직이는 것이 필수적이라고 생각했다. 모두 위로, 모두 아래로. 그래서 공연 전 연습에서 활의 위치가 제대로 맞지 않으면 음악을 멈추곤 했다"라고 증언했다.^[43]

코렐리가 창안하고 프란체스코 게미니아니, 피에트로 로카텔리 등 그의 제자들이 계승한 연주 형식은 바이올린 연주 발전의 중심이 되었다.^[31] 주세페 토렐리, 토마소 알비노니, 안토니오 비발디는 각각 코렐리 스타일의 트리오 소나타집을 처녀작으로 출판했으며, 코렐리의 작품 5(1700년)에 이어 유럽 베스트셀러가 된 비발디의 작품 3 조화의 영감(1711년)도 코렐리의 작곡 스타일을 계승하고 있다.

5. 영향

코렐리는 트리오 소나타, 바이올린 소나타, 합주 협주곡 양식을 확립하고 발전시켜 바로크 후기 기악 음악 발전에 지대한 영향을 미쳤다. 주세페 토렐리, 토마소 알비노니, 안토니오 비발디 등 이탈리아 작곡가들은 코렐리의 영향을 받아 트리오 소나타와 합주 협주곡을 작곡했다.^[62] 요한 제바스티안 바흐는 코렐리의 작품을 연구하여 오르간 푸가(BWV 579)를 작곡했으며, 게오르크 프리드리히 헨델은 코렐리의 합주 협주곡 양식을 모델로 자신의 작품 6 합주 협주곡을 작곡했다.

코렐리의 작품은 신고전주의 시대에도 꾸준히 연주되고 연구되었으며, 세르게이 라흐마니노프의 '코렐리 주제에 의한 변주곡'과 같은 작품에도 영감을 주었다. 그의 협주곡집 작품 6은 서구 문화에서 널리 인기를 얻었으며, 크리스마스 협주곡 작품 6, 8번의 일부는 영화 ''마스터 앤드 커맨더: 먼 바다로''의 사운드트랙에 사용되었고, 코렐리의 작품 6, 2번은 마이클 티펫 경의 ''코렐리 주제에 의한 환상적 협주곡''의 주제가 되기도 했다.^[56]

6. 평가

코렐리는 당대와 후대 비평가들로부터 절제, 균형, 형식적 완벽성, 그리고 세련된 선율을 추구하는 고전주의적인 작곡가로 평가받았다. 그는 기악 음악 분야에서 조성 체계를 확립하는 데 핵심적인 역할을 수행한 인물로 인정받고 있다.^[12] 코렐리의 작품은 바로크 음악의 정수를 보여주는 동시에, 후대 음악가들에게 큰 영향을 미친 기념비적인 업적으로 평가받는다.

코렐리가 창안하고 프란체스코 게미니아니, 피에트로 로카텔리 등 그의 제자들이 계승한 연주 형식은 바이올린 연주 발전에 매우 중요했다.^[31] 그러나 코렐리는 자신의 악기 기능의 일부만 사용했다. 그의 작품에서 바이올린 파트는 최고 현의 D 이상으로 거의 나아가지 않으며, 때때로 최고 현의 4번째 위치의 E에 도달한다. 코렐리가 헨델의 오라토리오 ''시간과 진실의 승리''(1708년 로마에서 초연)의 서곡에서 최고음 A까지 확장되는 음표를 연주하기를 거부했다는 이야기가 전해진다.^[31]

그럼에도 불구하고 그의 악기 작품은 실내악 역사에서 한 시대를 표시한다. 그의 영향은 안토니오 비발디, 게오르크 프리드리히 헨델, 요한 세바스티안 바흐, 프랑수아 쿠프랭 등 한 세대의 작곡가들의 음악 발전에 중요한 역할을 했다.^[31] 바흐는 코렐리의 작품을 연구했고, 1689년 코렐리의 작품 3번을 바탕으로 오르간 푸가(BWV 579)를 작곡했다. 헨델의 작품 6번 ''콘체르토 그로시''는 바흐가 선호하는 안토니오 비발디의 후기 3악장 베네치아 콘체르토가 아니라 코렐리 자신의 이전 작품 6번 ''콘체르토''를 모델로 삼고 있다.

로마의 음악계도 코렐리에게 많은 것을 빚지고 있다. 그는 귀족 사회 최고층에서 환영받았고, 오랫동안 오토보니 추기경 궁전에서 유명한 월요일 콘서트를 주재했다.

코렐리의 예술적 모습은 화려하고 풍부한 예술적 표현력과 강렬한 대조로 특징지어지는 바로크 시대의 절정기에 꽃을 피웠다. 그의 음악은 르네상스의 다성음악에서 발전했지만, 각 성부 간의 독립성이 커지는 전환기를 특징으로 한다. 새로운 사회문화적, 종교적 요인과 극장과 수사학의 강한 영향으로 당시의 정신을 더 잘 표현할 수 있는 새로운 음악 언어가 발전하여 다양한 새로운 화성, 성악 및 기악 기법이 개발되었다. 선율 체계가 확립되고 옛 모드 체계를 버린 시기이며, 통주저음 또는 암호화된 베이스라고 불리는 작곡 스타일에서 가장 전형적인 표현을 가지는 시기이다. 다른 파트를 종속적인 역할로 밀어내는 상위 성부에 대한 높은 중요성은 비르투오소 독주자의 모습을 부각시켰다.^[33]

평균율 조율도 도입되었고, 멜로디는 종종 대중적인 영감을 받았으며, 불협화음은 표현적 수단으로 사용되기 시작했다. 다성음악은 특히 일반적으로 더 보수적인 교회 음악에서 여전히 두드러졌지만, 이전 세기에 그것을 특징지었던 복잡성은 훨씬 더 명확하고 단순화된 대위법으로 대체되었고, 가장 큰 소리의 성부에 우선순위가 주어지는 경우가 많았다. 또한 상징과 언어의 영역에서, 인물, 선율, 음색 및 특정 표준화된 기술적 자원이 표현을 위한 음악적 어휘가 되는 감정 이론의 발전이 매우 중요했다. 그러한 자원은 당시 가장 인기 있고 영향력 있는 장르였던 오페라에서 매우 일반적이었고, 기악 음악의 방향에도 결정적인 영향을 미쳤다.^[33] 코렐리는 이 언어를 명료하게 하고 확립하는 데 크게 기여했다.^[12]

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